THE LONGEST RIDE (El viaje más largo) protagonizada por Scott Eastwood, Britt Robertson y Alan Alda.

El 10 de abril se estrenó la película THE LONGEST RIDE (El viaje más largo) protagonizada por Scott Eastwood, Britt Robertson y Alan Alda.

Te presentamos la reseña, historia y producción de esta interesante película.

EL VIAJE MÁS LARGO

Ira y Ruth, Luke y Sophia —dos parejas separadas por la época y la edad— tienen muy poco en común hasta que una serie de eventos fortuitos se presentan y sus vidas se entretejen. De Nicholas Sparks, autor de best-sellers del New York Times, viene una extraordinaria historia de amor que comienza cuando una caja de cartas antiguas, llenas de una vida entera de amor, sabiduría y experiencia, hacen que Luke y Sophia emprendan un camino para descubrir sus auténticos valores y el significado verdadero del amor.

Sophia (BRITT ROBERTSON), estudiante del último año en la Universidad de Wake Forest, ve cómo el sueño de toda su vida está a punto de convertirse en realidad. A tan sólo unas cuantas semanas de su graduación, ha obtenido una pasantía en una prestigiosa galería de arte en Nueva York. Sophia decide emprender el camino. Esto, hasta que un amigo entra por la puerta de su casa con un par de botas vaqueras y una invitación a un evento de monta de toros. Aunque no es algo que le llame la atención, Sophia cede y los dos amigos llegan hasta sus asientos, que se encuentran más allá de la banda de aficionadas conocida como Buckle Bunnies.

En la jaula, Luke Collins (SCOTT EASTWOOD) se prepara para montar los ocho segundos que lo llevarán a alcanzar el primer lugar en el circuito profesional de monta de toros. Luke, quien acaba de regresar de una lesión grave que sufrió después de haber montado previamente al toro de clase mundial conocido como Rango, está determinado a retomar el campeonato de jinetes. Pero el toro tiene otra idea en mente. Embiste a Luke, quien se trepa a una valla, para alejarse del peligro. Su sombrero sale volando durante la maniobra y cae en el regazo de una sorprendida Sophia, con quien cruza miradas durante un breve instante —lo suficiente para que Luke decida querer conocer a esa belleza. “¿Me lo cuidas, por favor?”, le pregunta a Sophia. Una vez que el toro se estrella contra la reja, Luke desaparece, lo que deja sin aliento a Sophia.

Esa noche, Sophia, quien está usando el sombrero de Luke, se topa con él, pero en vez de pedirle su sombrero, le pide que salga con ella. Sophia acepta, sin que le cruce por la cabeza que el curso de su vida ha cambiado para siempre y que se alejará totalmente de aquella que había imaginado.

Ira Levinson (ALAN ALDA), de noventa y un años de edad, está también en un camino que le cambiará la vida. Después de haber perdido a su esposa Ruth ocho años atrás, comienza un viaje a Black Mountain, Carolina del Norte, hacia la Facultad de Black Mountain, una colonia artística donde le compró a Ruth su primera pintura, situación que dio inicio a una colección que abarcaría las décadas que duró su matrimonio.

El viaje de Ira es interrumpido cuando, en un camino resbaladizo por la lluvia, pierde el control de su automóvil, choca a través de una valla protectora y se va hacia abajo a un terraplén. Una vez que el coche comienza a incendiarse, Ira está consciente de que alguien lo está sacando de él. Es Luke, junto con Sophia, quien está justo detrás de él. Aunque semiconsciente, Ira sólo puede pensar en la sencilla y desgastada caja llena de cartas que dejó en el coche. “La caja; agarra la caja”, murmura y Sophia sortea las llamas para rescatarla.

Más tarde, en el hospital, Sophia se asoma al interior de la caja y ve que está llena de cartas viejas. Ira se muestra satisfecho y le pide que se las lea. Los desarrollan un vínculo, y Sophia descubre cuánto las dos parejas tienen en común y cómo, a pesar de la diferencia de edad, la joven Ruth (OONA CHAPLIN) y el joven Ira (JACK HUSTON) han vivido una vida llena de muchos de los retos a los que se están enfrentando Luke y Sophia. Las vidas de las dos parejas convergerán, lo que ayudará para que Luke y Sophia obtengan la sabiduría que necesitan para emprender su viaje.

EL VIAJE COMIENZA

El viaje más largo representa la tercera adaptación cinematográfica que se hace de alguna de las novelas de Nicholas Sparks con los productores Marty Bowen y Wyck Godfrey. Previamente, en el 2012, el autor y los productores de Temple Hill hicieron mancuerna en el drama romántico Safe Haven, y, en el 2010, en Dear John.

Ninguno de los proyectos previno al autor para la preparación que se iba a necesitar para que El viaje más largo llegara a la pantalla.

“El viaje más largo es algo que nunca antes había hecho en cine”, comenta Sparks. “En realidad son dos historias en una. Es la historia de Ira y Ruth, una pareja que ha estado casada durante mucho tiempo. Ira ahora es viudo. Su vida juntos, contada en flashbacks, es una historia fascinante que Ira le cuenta a Sophia, una estudiante universitaria de Wake Forest, y a Luke, un jinete profesional de toros.

“El viaje más largo tiene una cualidad épica que aplica a ambas historias de amor”, continúa el autor. “Abarca la historia de amor entre Ira y Ruth, que comienza antes de la Segunda Guerra Mundial, y es contrastada con el mundo totalmente distinto de la monta profesional de toros. Lo que diferencia a este filme de las otras adaptaciones de mi trabajo es su cualidad épica y la doble historia de amor. Es acerca de la manera en la que dos historias de amor se unen”.

Sparks continúa: “Cuando conoces a la persona con la que te vas a enamorar, el sentimiento es mutuo, te encuentres en 1930 o en la actualidad. Todo mundo pasa por las mismas emociones. Existe una universalidad con respecto a la forma que sentimos y eso es lo que quería mostrar. Me parece que lo divertido del filme es intentar descifrar cómo diantres estas dos historias se van a unir al final”.

Quien lleva la historia de Sparks a la pantalla grande es el director George Tillman, Jr., cuya ecléctica obra abarca la comedia romántica (Soul Food), el drama de acción (Men of Honor) y la película biográfica (Notorious). “George tiene la habilidad de maridar la emoción con la masculinidad, que ambas se requerían para contar esta historia”, dice el productor Marty Bowen. “Le rogué que leyera el guión y me llamó y me dijo, ‘¿Sabes qué, Marty? He estado casado con mi amor de la preparatoria durante 25 años y, en mi caso, lo que me llevó de esta película es el sacrificio, que es la cosa más importante en una relación’. Y yo estaba ahí, sentado, escuchando a George, pensando, ‘Vaya, he encontrado a mi director’”.

Si bien Tillman apreció la historia de amor, también quedó cautivado con los elementos de la monta de toros. “Una de las cosas que disfruto como director”, explica, “es descubrir culturas donde la gente puede experimentar cosas nuevas.

“Siempre he sido aficionado de la monta de toros”, continúa, “y no ha habido muchos filmes que aborden ese tema. Estaba muy emocionado de ver una historia que se desarrollaba con ese mundo como fondo”, exclama. “Quería dirigir El viaje más largo”.

El socio de Tillman en State Street Pictures, y uno de los productores ejecutivos del filme, Bob Teitel, estaba, al igual que el director, sobrecogido con el tema de sacrificio del filme. “Cuando leí El viaje más largo, la primera cosa que me vino a la mente fue la palabra ‘sacrificio’. Con Luke y Sophia, así como con Ira y Ruth, es acerca de qué es lo que sacrificas por el otro”.

DOS PAREJAS 

Encontrar actores que pudieran darles vida en cine a los vívidos personajes fue un reto, pero uno que los realizadores aceptaron con emoción. “Scott Eastwood era uno de los primeros cinco actores que teníamos en mente para el papel de Luke”, comenta Sparks. “Hablamos de muchos nombres, pero Scott siempre estaba ahí. Cuando lo mandamos llamar, Scott probó ser justo lo que estábamos buscando. Tiene el aspecto de un hombre protagónico, y tenía un buen entendimiento de los personajes”.

Bowen añade que, “dar el papel al actor protagónico en una historia es extremadamente difícil. Quieres que el actor sea emocionalmente accesible, pero también quieres que sea masculino, vulnerable y fuerte. Esa combinación de características es difícil de encontrar”.

“Cuando Scott llegó a platicar con nosotros acerca del papel, se fue con la película bajo su brazo. Es como si la película fue escrita para Scott. Tiene un carisma y rudeza auténticos. Tuvimos que mantenerlo a raya durante el rodaje porque de haber podido, se hubiera subido a los toros y él mismo los hubiera montado. Así es él. Está en su ADN. Tenía esa mezcla que estábamos buscando”.

El interés amoroso en pantalla de Eastwood, Britt Robertson, indica que se sintió “atraída a las distintas cualidades de Scott. Es un hombre entre hombres, pero también es vulnerable, tierno y un poco tímido. Cuando rodamos una escena donde Luke y Sophia tienen una cita, fue sorprendente ver todos los matices distintos que Scott le aportó al momento”.

Eastwood señala que “Luke es muy determinado, en ocasiones egoísta, pero es un buen hombre. Es un caballero y alguien que es muy trabajador. Luke está regresando de una lesión que puso en peligro su vida, y está decidido a ser el mejor jinete de toros”.

Los realizadores le dieron a Britt Robertson el papel de Sophia porque, dice Bowen, “en las historias de amor, las mujeres se quieren poner en los zapatos de la actriz protagónica. Debes de ser bella, pero accesible al mismo tiempo, y encontrar ese maridaje de características suele ser inusual”.

“Britt es cautivadora y puede cambiar toda una escena en tan sólo un instante”, continúa Bowen. “Siente el subtexto de una escena. Es instintivo”.

A Robertson siempre le ha llamado la atención el trabajo de Sparks, y en especial la representación del personaje que iría a interpretar en cine. “Me encanta que Sophia es una apasionada del arte y cuán decidida está por triunfar. Me llamó la atención el hecho de que desde una edad muy temprana, Sophia estaba muy orientada hacia el logro de sus objetivos”.

Después de encontrar a los actores para la historia de amor contemporánea, los realizadores turnaron su atención a la tarea de darle el papel a la pareja que inspira a Sophia, comenzando con Oona Chaplin, quien interpreta a Ruth. “En realidad, Oona fue quien se eligió para el papel”, comenta Sparks. “Fue simplemente muy vibrante. Saltaba de la pantalla y decía, ‘¡Soy Ruth!’ Oona ha pasado gran parte de su vida en el extranjero, al igual que Ruth, así que eso le ayudó para darle autenticidad al papel. Su energía era justo lo que estábamos buscando al momento de otorgar el papel”.

Para Chaplin, el hecho de que pudiera interpretar a un personaje que va de los 17 a los 45 años fue un sueño vuelto realidad. “Respeto mucho a Ruth porque es muy fuerte”, comenta la actriz. “Al igual que Ruth, tuve la suerte de tener una educación llena de diferentes tipos de culturas. Había arte, música y cine, y fue interesante explorar esos antecedentes con el personaje, y cómo reaccionaría si repentinamente le quitarán todo eso. El contexto histórico [el flashback de la película] de la Segunda Guerra Mundial y haber tenido que dejar atrás todo lo que conoces, fue algo interesante de explorar”.

Los realizadores sabían que iban a necesitar a un actor sólido para interpretar a Ira, el esposo de Ruth, alguien que pudiera igualar la tremenda energía de Chaplin y con quien tuviera una gran química. Jack Huston cumplía con los requisitos. “Jack fue maravilloso”, dice Teitel. “Conocíamos su trabajo de Boardwalk Empire, pero su personaje en El viaje más largo fue el más difícil de encontrar”.

“Jack es hilarante”, añade Chaplin. “Desde el principio, estábamos en la misma página con respecto a donde queríamos llevar a Ira y Ruth. Realmente queríamos inyectarle un poco más de humanismo y determinación a la relación en pantalla. Ha sido maravilloso explorar esa dinámica entre ellos”.

“Oona y yo desarrollamos rápidamente un amistad muy intensa”, concuerda Huston. “Las primeras dos semanas de preproducción las pasamos básicamente conociéndonos. George [Tillman, Jr.], Marty [Bowen] y Bob [Teitel] estaban realmente contentos de que quisiéramos darles vida y aportar nuestras propias ideas”.

Los elementos románticos de la historia llevaron a Huston a la película. “El tema del amor perdurable es muy bello”, explica. “Me encantó el reto de hacer una historia de amor genuina. Quería explorar la realidad del amor en vez de su fabricación”.

El reparto protagónico lo completa Alan Alda. El personaje del aclamado actor, Ira, es una figura fundamental en la película, comenta Sparks. “Tiene su propia historia con Ruth, y otra con Sophia y Luke, por lo que queríamos a alguien que tuviera la profundidad para ser capaz de vincular las dos historias de amor. Alan le aportó humor y ligereza al papel”.

“¿Quién, en algún punto de su carrera, no quisiera hacer un proyecto con Alan Alda?”, interpone Bowen. “Ha sido un actor consumado durante décadas. Es un tesoro nacional. Logra fusionar la brusquedad y humanismo de Ira, que, combinados, generan un gran impacto emocional. En una sola toma te puede hacer enojar, te puede hacer reír, y, justo en medio, hacerte llorar”.

Alda apreció la historia y los personajes del filme. “Estoy en este maravilloso punto de mi vida donde puedo hacer cosas que me interesan”, comenta. “Y esta historia realmente me llamó la atención. Es acerca del amor profundo y perdurable. También me atrajo el reto de interpretar mayormente a un tipo en sus noventa. Nunca antes había hecho eso, y me intrigaba. Quería ver cuáles eran los problemas y cómo los iba a abordar”.

“Alan me dio muchos elementos de dónde trabajar”, comenta Robertson. “Es un ser humano muy amable y generoso. Aprendí de él muchas cosas acerca de la vida y de esta industria. Nuestra relación realmente fue paralela a la que se da entre Ira y Sophia. De manera constante, estaba al borde de mi silla queriendo que no dejara de hablar.

“Sophia siente exactamente lo mismo cuando tiene enfrente a Ira”, continúa. “Quiere aprender de las experiencias de Ira y aplicarlas en su propia vida”.

Eastwood encontró en Alda no sólo a un gran actor de quien podía aprender, sino también a un “tipo especialmente bueno. Es casi de la época de mi papá [Clint Eastwood] y en ocasiones lo observaba o comentaba algo y yo decía, ‘Dios, ahora me recuerdas tanto a mi padre. Él diría algo igual o parecido a lo que estás diciendo”.

 

LA MONTA DE TOROS SE MEZCLA CON EL ARTE MODERNO:

INVESTIGANDO EL VIAJE MÁS LARGO 

Sparks hizo más investigación para El viaje más largo que para cualquiera de sus otras novelas. “Mi búsqueda cubrió múltiples áreas de las que no sabía absolutamente nada”, explica. “Necesitaba saber cómo era el mundo artístico en la década de los ’30 y ’40; cómo era la vida para la gente judía en Carolina del Norte en la década de los ’30; y las múltiples facetas de la gira profesional de jinetes de toros, así como de sus jinetes”.

Una fuente clave para esta investigación fue Professional Bull Riders (PBR), la organización mundial estelar de monta de toros, que los realizadores trajeron a bordo como asesores técnicos. La PBR produjo los eventos de monta de toros que aparecen en la película. Los segmentos de la PBR fueron rodados en Jacksonville, y en Winston-Salem, Carolina del Norte.

Los jinetes actuales y activos del Built Ford Tough Series de la PBR fungieron como dobles de riesgo de Scott Eastwood, mientras que unos de ellos, como Kody Lostroh, campeón Mundial del PBR en el 2009, y Billy Robinson, aparecieron interpretándose a sí mismos.

“Nicholas Sparks captura la esencia de lo que es un jinete de la PBR con su personaje de Luke Collins”, comenta Sean Gleason, gerente general de la PBR. “Disfrutamos haber trabajado con Scott Eastwood en ayudarle a darle vida al personaje de Luke en la pantalla grande, como un jinete de la PBR en y entre las estrellas reales del deporte”.

De hecho, Bowen tenía algo de experiencia en la monta de toros. Nació en un pequeño pueblo del centro de Texas llamado Wortham (población: 1000), que, dice, ni siquiera tenía un semáforo. “Pero una vez a la semana, durante seis semanas cada verano, había un rodeo con jinetes de toros. Aprendí en aquel entonces que hay un sector en los Estados Unidos que consideran la monta de toros de la misma manera en la que otros consideran al basquetbol. Es parte de nuestra institución cultural.

“Hay algo primitivo con respecto a ver un hombre en la espalda de una bestia de novecientos kilos”, continúa Bowen. “Me parece que conquistar ese miedo debe ser una cosa increíblemente liberadora de hacer. Con el personaje de Luke, la monta de toros es acerca de conquistar ese miedo. Pero es difícil enfrentarlo cuando sabes que podría matarte.

“Sabes”, Bowen añade, “la monta de toros es como correr hacia el fuego, en vez de alejarte de él, y se necesita de una raza especial de persona que piense en esos términos. Es fascinante verlo, y es una cultura increíble”.

El director George Tillman, Jr. dice que su primer encuentro con la PBR fue muy revelador. “Durante la preproducción viajamos a Las Vegas, donde vimos las finales de la PBR”, relata. “Estar en un ambiente real de monta de toros, ver el poder del toro, qué tan presentes están la vida y la muerte en todo eso —y, al mismo tiempo, ver la energía y el amor por la monta de los toros”.

Una vez en producción, Tillman descubrió que tenía unas cuantas ideas erróneas acerca de la monta de toros. “Los jinetes deben de aguantar ocho segundos para ganar”, explica. “En televisión, eso parece muy lento y normal, pero cuando de verdad estás ahí dentro, esos ocho segundos se van muy rápido.

“Es el deporte más difícil que se practica en tierra”.

Si bien los actores y los jinetes/equipo de dobles de riesgo siempre fueron muy profesionales, los intérpretes de cuatro patas resultaron ser problemáticos para Tillman. Aunque hubo excepciones. “Teníamos a un gran toro llamado Rango”, comenta Tillman. “El primer día de rodaje habíamos montado cinco cámaras. Rango se mete a la jaula y está muy tranquilo. Era famoso por su rudeza.

“Rango estaba más que listo para su close-up. Esa primera monta fue increíble: Rango salió de la reja, saltó un metro y medio en el aire, y nuestro jinete se mantuvo durante los ocho segundos”, continúa Tillman. “De hecho, pudo haber estado nueve o diez segundos, y después hizo una voltereta en el aire. Era todo lo que necesitábamos y, encima de todo ello, el jinete cayó parado”.

 

Tristemente, el 15 de septiembre de 2014 Rango murió de complicaciones del corazón, mientras recibía tratamiento por un mal intestinal.

El jinete de Rango era Brant Atwood, un vaquero de la PBR que fue el doble de riesgo de Eastwood. “Brant tiene realmente la jactancia que necesitábamos para Luke”, explica Tillman, “y es uno de los mejores jinetes de toros del país. Cuando trabajas con los toros de verdad y los torneos de monta de la PBR, estás trabajando con algunos de los mejores jinetes que existen”.

“Lo maravilloso acerca de la PBR”, comenta Bob Teitel, “es que sus miembros son quizás los últimos vaqueros norteamericanos. Capturamos la PBR como ningún otro filme lo ha hecho. Salen despedidos del toro y están ahí acostados. El doctor sale para revisarlos y rehúsan ser ayudados. ¡Es simplemente salvaje!”.

“No me parece que la gente esté consciente de cuán peligroso es el deporte”, añade Eastwood. “Los jinetes de toros son probablemente los tipos más correosos del mundo. Incluso nuestros dobles de riesgo estaban asombrados con ellos. Estoy fascinado por el deporte y le tengo un respeto tremendo a los jinetes”.

Eastwood viajó a un rancho a entrenar. El dueño de la instalación, Troy Brown, cría toros de monta y es coordinador de acrobacias. “Fue un placer trabajar con Scott”, dice Brown. “Le dedicó el tiempo y el esfuerzo, y realmente estaba muy interesado de que su monta se viera genuina. Siempre les estaba pidiendo consejos a los jinetes de toros. En esta película tuvimos a los mejores jinetes del mundo —la elite de la PBR—, y Scott trabajó con ellos para que se viera lo más real posible.

“Scott no tenía nada de experiencia en la monta de toros cuando llegó al proyecto”, continúa Brown. “Monta caballo, pero eso es algo totalmente distinto. Pero es un gran atleta —surfea—, así que aprendió de manera muy rápida. Y Scott tiene el aspecto de un jinete de toros. Es musculoso, pero no demasiado grande. Su físico es espléndido”.

Del arte de la monta de toros al arte del…arte, la investigación de Nicholas Sparks lo llevó a lugares inesperados. “Una de las locaciones principales de la historia terminó siendo uno de los más grandes momentos de providencia de toda mi carrera”, continúa. “Recuerdo estar sentado en el escritorio, pensando, ¿cómo demonios esta pareja [Ira y Ruth de jóvenes] de Carolina del Norte se van a convertir en grandes coleccionistas de arte?”.

“Mi investigación me llevó a la Facultad de Black Mountain, que era el centro del movimiento de arte moderno en las décadas de los 30’, 40’ y 50’”.

La Facultad de Black Mountain fue fundada en la década de los ’30 como una facultad experimental. “Todos, desde Kooning hasta Rauschenberg, estuvieron ahí”, comenta Sparks. “El padre de Robert De Niro, otro afamado artista, estudió en la Facultad de Black Mountain. Habían artistas muy famosos ahí, y si ves el movimiento de arte moderno norteamericano de la década de los 40’ y 50’, hubo intersecciones importantes con las grandes obras de este siglo”.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

       El viaje más largo llevó a su reparto y equipo de producción al estado de Carolina del Norte, desde la ciudad costera de Wilmington hasta Lake Devotion, enclavadas en las laderas de las montañas Blue Ridge.

Sparks, que se mudó a Carolina del Norte, se había enamorado del estado y decidió criar ahí a su familia. Se enorgullece enormemente de asegurarse de mostrarnos al resto de nosotros lo que significa en realidad ser oriundo de este estado.

Buscar locaciones para hermanar el pueblo donde Ira crece fue una agradable sorpresa para los realizadores. “Encontramos este pueblo en Carolina del Norte llamado Wallace”, comenta Teitel, “y parece como si todavía siguiera en el pasado —como si nada hubiera cambiado. Nos hicimos cargo de esta calle, de una cuadra completa, que no requirió de muchos adornos. Los edificios se sentían como si fueran de la década de los 40’ y ahí pudimos capturar los festejos del fin de la Segunda Guerra Mundial. Fue una escena maravillosa de rodar —casi como si fuera el desfile del pueblo”.

Para las escenas con Ira y Ruth que se desarrollan en la década de los ’40, la ciudad de Wilmington, donde había una sinagoga y bellas casas victorianas, fungió como hogar. El pueblo de Wallace sirvió de locación donde Ira crece y conoce a Ruth. Una granja cerca de Wilmington hizo las veces de un campo de batalla de la Segunda Guerra Mundial, y otras locaciones incluyeron la playa Caswell y Eden; éste último fungió como la Facultad de Black Mountain.

Escenas que se desarrollan en la actualidad, donde aparecen Luke y Sophia, fueron rodadas en Jacksonville, hogar de los exteriores del ruedo donde montan los toros en la historia; y en Winston-Salem, entre otros lugares.

 RUEDOS CAFETERÍAS Y ARTE

El diseñador de producción Mark Garner se encargó de diseñar los diversos sets del filme, que abarcó el periodo entre 1940 y 1950, así como el presente.

“Para diferenciar entre el presente y el pasado en esta película había que dividirla en tres áreas”, comenta Garner. “Teníamos el mundo de Sophia, el mundo de Luke y el pasado”.

Para las escenas con Ira y Ruth de jóvenes, Garner dice que “mantuvo todo un poco lodoso, con colores terrosos, que fueron prevalentes durante la época. Utilicé colores canela y café oscuros, y colores tostados y chocolate con un poco de verde. Me mantuve alejado de los azules y rosas brillantes, porque esos colores son los que hacen la transición al mundo de Sophia”.

“Mantuve la base del mundo de Sophia bastante neutral porque quería que las obras de arte brindaran el color. Quería que el arte resaltara con el fondo neutral para mostrar dónde estaba ella. Cuando estamos en las galerías, las paredes son color crema o verde pálido, para que todo lo que estuviera contra ellas sobresaliera. No ves la arquitectura.

“En el mundo de época”, continúa, “quieres ver la arquitectura, el color del ladrillo, el color del mortero y los colores de las banquetas. En el mundo de Luke, tomé un punto medio y utilicé colores primarios —rojos, azules, verdes, amarillos. No hay colores chillones, sólo tonos primarios que después también se relacionan con la PBR o el mundo de la monta de toros.

Si bien la producción fue incapaz de rodar en la Facultad de Black Mountain, Garner estaba ansioso por mostrar la arquitectura de la institución. “Para evocar el pasado, los edificios en Devotion Lake, que hicieron las veces de la facultad, era un poco más rústicos, pero, no obstante, estaban en armonía con algunos de los edificios de la facultad”, explica. “Elegimos alejarnos de la arquitectura moderna porque ya la había usado en otras áreas de la película. Las estructuras de Devotion Lake ofrecían un mejor lugar para la época”.

La visión de Garner del rancho de Luke provino de un momento en el guión en el que el padre de Luke fue un jinete de toros que muere cinco años antes de que dé inicio la historia. “Mostramos los trofeos de Luke desde que era un niño, así como sus distinciones y hebillas”, comenta Garner. “También hay muchas fotografías familiares del padre de Luke montando los toros”.

Elegir las obras de arte para el dormitorio de Sophia llevó a Garner de regresó a los artistas de la Facultad de Black Mountain. “Debido a que Sophia está estudiando en Black Mountain, quería utilizar gran parte del arte que provino de la gente que estuvo involucrado en el movimiento, y el guión indicaba cuáles eran algunas de esas piezas”, indica Garner.

La monta de toros fue otra área que Garner tuvo que investigar antes de que pudiera comenzar sus diseños. “La gente de la PBR fue increíble, y trabajamos de manera muy estrecha con su equipo creativo”, comenta. “Ese mundo tenía que ser real. Si ves la PBR en televisión, o si la ves en directo, cada lugar es exactamente igual. No cambian nada, monten donde monten. Necesitaba diferenciar cada locación, así que la PBR trabajó con nosotros para incorporar la paleta de color en cada lugar.

“Después estaba el set de la cafetería”, reflexiona Garner. “Tengo que decir que ese fue mi set favorito de la película, porque era una tienda vacía que antes había sido un salón de belleza. Había sido desmenuzado en pequeños cubículos. Tenía seis capas de pisos y un techo caído. Encontramos esta pequeña tienda en una esquina que estaba en muy mal estado, pero podía ver su potencial. A final de cuentas, fue como si hubieras regresado a 1941”.

GUARDARROPA 

Mary Claire Hannan diseñó el guardarropa, que al igual que el diseño de producción, abarca varias épocas y apariencias. “Trabajamos en la década de los ’40 y la de los ’60, con un poco de los 80’ y 90’”, señala. “Quería que estos vestidos se vieran como un recuerdo —mágico—, en lugar de que se vieran realistas. Así que tenía este contraste: contemporáneo en contra de época, así como realismo en contra de magia del cine.

“Los ’40 dictan su propia paleta”, explica, “porque no había tintes químicos durante ese periodo, así que los colores eran muy terrosos: olivas y cafés de diferentes tonalidades, y ciertos colores no estaban disponibles durante los tiempos de guerra.

“Para el personaje de Ruth, quien es una amante del arte, ves las telas en su ropa, los bordados en sus prendas, en vez de un sencillo vestido trapecio. Quería resaltar su interés en las telas, el color y la cultura.

“Ira de joven era comerciante”, continúa, “así que quería mostrar que le gustaba la ropa, y tenía zapatos y sacos de dos tonos. No eran tan sencillos como el típico atuendo utilizado por los caballeros en la década de los ’40. Ira tiene unas corbatas finas y cuenta con cierto estilo. También estaba intentando mostrar que estaba enamorado. Tiene sus pañuelos y corbatas elegantes, así como sus zapatos de dos tonalidades, para sus encuentros nocturnos”.

Diseñar el guardarropa para Luke y Sophia presentó un reto distinto. “No sabía nada de la monta de toros, pero me pareció muy interesante”, comenta Hannan. “Al igual que los otros realizadores, me invitaron a un evento de la PBR en Las Vegas, donde platiqué con jinetes acerca de cómo portan la ropa, qué les funciona, y por qué les funciona. Me pareció que fue la mejor manera de obtener el carácter de los vaqueros, su personalidad y la integridad de lo que representa la monta.

“Aprendí mucho de los jinetes”, continúa. “Comencé a entender el arte del deporte y me di cuenta que los jinetes requerían de jeans sueltos, y que los jinetes de complexión más pequeña son más comunes que los grandes. Aprendí que para maximizar el balance mientras montan, mandan a fabricar de manera individual sus chaparreras, y que los jinetes usan solo unas durante toda su vida. Ellos las diseñan y el fabricante se las hace”.

Hannan escogió el azul como el color distintivo de Luke. “Es muy brillante y conservé esa misma camisa en él a lo largo de todo el filme. Como las viñetas de la monta de toros eran muy rápidas y estábamos generando una especie de ritmo, fue a través de esa camisa que podíamos reconocer a Luke de inmediato.

“También queríamos que tuviera otros atributos, así que se trabajó mucho con curtidos en la granja, para mostrar que también tenía una apreciación por las artes, y que, en ocasiones, podías ver una apariencia mucho más relajada en él, en las que usaba una camiseta. Es más que un jinete de toros”.

Hannan abordó el guardarropa de Sophia con colores pastel suaves —rosas, azules y verdes. Una vez que Sophia se enamora de Luke, su estilo comienza a cambiar. “Sophia está comenzando a adentrarse en el mundo de Luke”, explica. “Se aparece en los eventos de monta de toros con pequeños shorts cortados a mano, quizás y un toque del oeste en sus camisas, pero sin usar una camisa de este estilo. Sophia y Luke se están uniendo y hacia el final, ella ya se pone vestidos y se siente muy femenina, y menos como una estudiante colegial”.

La última palabra acerca de la película El viaje más largo proviene del hombre con el que comenzó todo: el autor Nicholas Sparks —un aficionado entusiasta de la adaptación cinematográfica. “Hemos sido muy bendecidos”, comenta Sparks. “Esta fue una producción impresionante. He sido muy afortunado con películas basadas en mis libros, pero El viaje más largo ha sido una experiencia única. Tenemos el mundo de la monta de toros, el romance contemporáneo de Luke y Sophia, y el matrimonio de Ira y Ruth. Es casi como tener tres películas en una, por lo que se pensó mucho la manera en la que se iban a entretejer y hacer que se vieran lo más auténticas posibles. Todo tiene que ver con la magia del cine, pero todo se dio de una manera espectacular”.

 

 ACERCA DEL REPARTO

BRITT ROBERTSON (Sophia) acaba de obtener el papel protagónico en la película independiente Cook. Después, estelarizará el largometraje Tomorrowland, para Disney. Dirigida por Brad Bird, Robertson interpreta a la adolescente al lado del protagonista, George Clooney, en la película de Disney. Este año también apareció en la película independiente Cake, con Jennifer Aniston y Sam Worthington.

Robertson interpretó el papel protagónico en el filme The First Time, para Castle Rock, que se estrenó en el 2012 en la sección oficial de Sundance, donde fue vendida a Sony, y protagonizó The Delivery Man (Una familia numerosa), al lado de Vince Vaughn, para Dreamworks, así como la película independiente Ask Me Anything, escrita y dirigida por Allison Burnett.

En el mundo de la televisión, Robertson tuvo un papel periódico en la exitosa serie Under the Dome, basada en la novela de Stephen King, para Dreamworks/CBS. Steven Spielberg le ofreció el papel después de haber trabajado con ella en Delivery Man.

Robertson llamó por primera vez la atención gracias a su papel protagónico en el aclamado drama Life Expected, para CW, que la llevó a protagonizar después la serie The Secret Circle, para la misma cadena.

 

SCOTT EASTWOOD (Luke), quien pertenece a una tercera generación procedente de California, nació en la ciudad costera de Monterey. A pesar de haber nacido en California, Eastwood creció tanto en California como Hawái, dividiendo su tiempo entre su madre (Jaclyn) y su padre (Clint). Desde una temprana edad, Eastwood siempre fue muy activo, y cuando no estaba jugando Pop Warner Football, estaba surfeando, pescando o haciendo alguna otra actividad en exteriores.

Después de haberse graduado de la preparatoria, Eastwood se inscribió en la Facultad de Santa Monica City, donde hizo de todo, desde estacionar coches hasta trabajar en construcción, mientras iba en búsqueda de una carrera en la actuación. A la postre, se graduó de la Universidad de Loyola Marymount con un título en comunicaciones. Durante los últimos años ha estado viajando por el mundo, viviendo la vida, rodando películas y surfeando en playas exóticas. Ha sido muy afortunado de tener grandes amigos y una gran familia, que, todos ellos, han desempeñado un papel fundamental en haberlo hecho el individuo que es en la actualidad.

En la revista Vanity Fair de marzo de 2013, la edición del Oscar®, Eastwood fue nombrado una de las “Estrellas Prometedoras” de Hollywood. El año pasado, Eastwood apareció en la película de la Segunda Guerra Mundial Fury (Corazones de hierro), al lado de Brad Pitt y Shia LaBeouf

Otros filmes incluyen las películas independientes Dawn Patrol y Walk of Fame. Eastwood también tuvo un papel protagónico en Texas Chainsaw 3D, para Lionsgate, así como en Trouble with the Curve (Curvas de la vida). Otros filmes incluyen Invictus, Gran Torino, Flags of Our Fathers (La conquista del honor), Carmel, An American Crime (El encierro) y la película de nadadores Pride, con Bernie Mac y Terrence Howard, para Lionsgate.

 

ALAN ALDA (Ira) ha recibido reconocimiento internacional como actor, escritor y director. Además de The Aviator (El aviador), por la que fue nominado a un Premio de la Academia®, los filmes de Alda incluyen Crimes and Misdemeanors (Crímenes y pecados), Everyone Says I Love You (Todos dicen te quiero), Flirting With Disaster, Manhattan Murder Mystery (Un asesinato en Manhattan), And The Band Played On (Contacto peligroso), Same Time, Next Year y California Suite, así como The Seduction of Joe Tynan, que escribió, y The Four Seasons, Sweet Liberty (Las locuras de Hollywood), A New Life (Empezando de nuevo) y Betsy’s Wedding (La boda de Betsy), todas ellas escritas y dirigidas por él. En 2011-2012 sus apariciones en cine incluyeron Tower Heist (Robo en las alturas) y Wanderlust (Locura en el paraíso).

Tiene el mérito de haber sido nominado para un Oscar, un Tony®, y un Emmy® —además de haber publicado un best-seller—, en el mismo año. Su nominación al Emmy fue por su papel en The West Wing. Su nominación al Tony fue por su papel en el reestreno de Broadway de Glengarry Glen Ross, original de David Mamet. Además de haber recibido una nominación al Premio de la Academia por su aparición en The Aviator, de Martin Scorsese, también fue nominado para un Premio de la Academia Británica.

En total, ha recibido siete Premios Emmy.

Alda interpretó a Hawkeye Pierce en la clásica serie de televisión M*A*S*H, para la que escribió y dirigió muchos de los episodios. Sus 33 nominaciones al Emmy incluyen actuaciones en el 2009 por 30 Rock, en el 2006 por The West Wing (por la que ganó su sexto Emmy) y en 1999 por ER. En 1994, Alda fue inducido al Salón de la Fama de la Televisión. Durante once años, fue conductor de la premiada serie Scientific American Frontiers, para PBS, donde entrevistó a científicos prominentes de todo el mundo.

Alda también condujo la serie The Human Spark, para PBS, y la miniserie Brains on Trial.

Otras actuaciones en televisión incluyen las películas The Glass House, original de Truman Capote, y Kill Me If You Can, por la que recibió una nominación al Emmy por su interpretación de Caryl Chessman, un recluso que pasó trece años en el corredor de la muerte.

En Broadway, interpretó al doctor Richard Feynman en la obra QED. Protagonizó la primera producción estadounidense de la exitosa obra internacional ART. Además de su nominación por Glengarry, también fue nominado para el Premio Tony por sus actuaciones en Jake’s Women, original de Neil Simon, y en el musical The Apple Tree. Otras apariciones en Broadway incluyen The Owl and the Pussycat, Purlie Victorious y Fair Game for Lovers, por la que recibió un Premio Theatre World.

En el 2006, la National Science Board (Concejo Nacional de Ciencias) le otorgó a Alda el Premio Public Service por sus esfuerzos en haber ayudado a que el público ampliara su entendimiento de la ciencia. Desde el 2008, ha trabajado con el físico Brian Greene en la presentación del festival anual World Science en la ciudad de Nueva York, al que asisten más de un millón de personas. Ayudó a fundar el Alan Alda Center for Communicating Science en la Universidad de Stony Brook.

 

Su primer libro de memorias Never Have Your Dog Stuffed, and Other Things I’ve Learned se convirtió en un bestseller del New York Times, así como su segundo: Things I Overheard While Talking to Myself.

 

JACK HUSTON (Joven Ira) se ha establecido como una de las estrellas jóvenes y talentosas de la siguiente generación de Hollywood, que lo ha llevado a recibir elogios de la crítica por sus papeles tanto en cine como en televisión.

Su interpretación de “Richard Harrow” en Boardwalk Empire, para HBO, lo elevó de ser una estrella invitada en la primera temporada de la serie a obtener un papel regular en la segunda temporada. La serie dramática, ganadora de múltiples Premios Emmy y Globo de Oro, también le han valido a Huston dos Premios del Screen Actors Guild (Sindicato de Actores de Cine) a Mejor Ensamble, en el 2011 y 2012.

Huston está por interpretar a Ben-Hur en la nueva versión de MGM y Paramount de la película homónima de 1959, que fuera protagonizada por Charlton Heston.

Huston protagonizó Kill Your Darlings, al lado de Daniel Radcliffe y Ben Foster, American Hustle (Escándalo americano), dirigida por David O. Russell, y Night Train to Lisbon, dirigida por Bille August. También estelarizará Posthumous para la directora Lulu Wang.

En el 2012, Huston actuó en Not Fade Away, y en la película independiente Two Jacks, al lado de su tío Danny Huston. En el 2010, interpretó a “Royce King II” en la tercera parte de la serie Twilight: The Twilight Saga: Eclipse. Ese mismo año, protagonizó Garden of Eden (El jardín del edén), basada en la novela de Ernest Hemingway.

En el 2009, Huston actuó al lado de Danny Huston en Boogie Woogie (El arte de engañar) y apareció junto a Kevin Spacey y Robin Williams en la película independiente Shrink. A la postre, Huston protagonizó Mr. Nice, que se exhibió en el 2010 en el Festival de Cine South by Southwest. En el 2006, apareció en Factory Girl (Fábrica de sueños) con Sienna Miller y Guy Pearce.

En el 2004, Huston hizo su debut en televisión en el telefilme Spartacus, para USA, y, del 2009 al 2010, protagonizó el drama sobrenatural Eastwick, basado en la novela de John Updike The Witches of Eastwick, para ABC.

Huston nació en Londres, Inglaterra, hijo de Lady Margot Lavinia Cholmondley y Walter Anthony Huston. Su abuelo paterno fue el director John Huston y su abuelo materno fue Hugh Cholmondeley, 6^o Marqués de Cholmondeley. Huston es sobrino de los actores Anjelica Huston y Danny Huston.

En la actualidad, Huston divide su tiempo entre Londres, Nueva York y Los Ángeles.

 

OONA CHAPLIN (Ruth) ha mostrado un increíble talento en todas las disciplinas a lo largo de su carrera en la actuación, y ha aparecido en algunos de los proyectos más exitosos y queridos de los últimos cinco años.

Chaplin fue vista recientemente en Black Mirror: White Christmas, del escritor Charlie Brooker, en Channel 4. En la serie, donde actúa al lado de Jon Hamm y Rafe Spall, interpretó a “Greta” en el especial navideño de 90 minutos, que entretejió tres historias de la paranoia tecnológica de Yuletide.

El año pasado, Chaplin protagonizó Purgatoria, debut como director de Paul Telxidor, donde actuó al lado de Sergi Méndez, Andrés Gertrudix y Ana Fernández. Este thriller psicológico narra la historia de una mujer que, después de aceptar cuidar al hijo joven de un vecino, se ve amenazada cuando el comportamiento del chico se torna cada vez más inestable y violento. También el año pasado, Chaplin protagonizó Aloft, al lado de Gillian Murphy y Jennifer Connelly. Dirigida por Claudia Llosa, la película narra la historia de una madre en problemas que se encuentra al hijo que había abandonado veinte años atrás.

Chaplin fue vista más recientemente junto a Sheridan Smith y Jamie Winston en la comedia Powder Room (Confesiones de una noche loca); en el thriller siniestro Imago Mortis, de los productores de Pan's Labyrinth (El laberinto del fauno); y en la película de James Bond Quantum of Solace (007 – Quantum), al lado de Daniel Craig.

En televisión, Chaplin es mejor conocida por su papel como “Talisa” en el fenomenalmente popular programa de fantasía medieval Game of Thrones. A principios de 2014, Chaplin fue vista como la misteriosa “Kitty Trevelyan” en la serie de seis partes The Crimson Field, al lado de Suranne Jones y Hermione Norris, para la BBC. En junio, Chaplin apareció en el drama Dates, una serie de nueve partes Bryan Elsley, creador de Skins, para Channel 4. A finales de 2012, Chaplin repitió su papel como “Marnie” en la sumamente exitosa segunda temporada del drama The Hour, para la BBC, acerca de los reporteros británicos que en 1956 descubrieron una conspiración siniestra y peligrosa.

 

Chaplin también interpretó el papel de “Jeanette” en la segunda temporada del drama criminal Sherlock, para la BBC, y tuvo un papel protagónico en el melodrama de seis partes de la sexta temporada de la serie dramática de espías Spooks, ganadora del Premio BAFTA.

 

 ACERCA DE LOS REALIZADORES

GEORGE TILLMAN, JR. (Director) es oriundo de Milwaukee, Wisconsin, donde fue tal la inspiración que se llevó después de ver el filme Cooley High, que decidió hacer sus propias películas. En 1994, Tillman escribió y dirigió su ópera prima, Scenes for the Soul. Fue filmada totalmente en Chicago, donde se recurrió al talento y recursos locales. El filme, que costó $150 mil dólares en hacer, llamó la atención de Doug McHenry y George Jackson, quienes lo adquirieron para Savoy Pictures, por $1 millón de dólares. Para aprovechar el ímpetu que adquirió gracias a su éxito, Tillman comenzó a escribir un guión basado libremente en su propia vida —Soul Food.

Soul Food comenzó su producción el 6 de noviembre de 1996, bajo un programa de 30 días frenéticos, con un reparto que incluía a Vanessa Williams, Vivica A. Fox, Nia Long, Mekhi Phifer, Michael Beach, Irma P. Hall y Brandon Hammond. Con un presupuesto modesto de $7 millones de dólares, Soul Food se estrenó ante un gran éxito de la crítica y financiero, que la llevó a recabar más de $43 millones de dólares en la taquilla doméstica. Como resultado, Tillman y su socio productor, Robert Teitel, obtuvieron un contrato de dos años en Fox Pictures 2000. State Street Pictures se convirtió en el nuevo nombre de la compañía —una referencia a sus primeros años como un equipo de realizadores de Chicago.

El siguiente trabajo de George como director fue Men of Honor (Hombres de honor), una historia épica inspirada en la vida de Carl Brashear, un hombre que luchó contra los obstáculos del racismo, la falta de educación y la pérdida de una pierna, para convertirse en el primer afroamericano en ser buceador experto de gran profundidad de la marina de los Estados Unidos. La película fue protagonizada por los actores ganadores del Oscar Cuba Gooding, Jr. y Robert De Niro, con un ensamble que también incluía a Charlize Theron, Michael Rapaport, Lonette McKee, Glynn Turman y Hal Holbrook. El filme recabó $85 millones de dólares en todo el mundo.

 

Después del éxito de Men of Honor, Tillman se aventuró en la producción. Además de su papel como productor ejecutivo de la querida Soul Food: The Series para Showtime Networks, Tillman coprodujo con Teitel la película Barbershop, para MGM. Tim Story dirigió la comedia acerca de un día en la vida de una peluquería al sur de Chicago. Fue protagonizada por Ice Cube, Anthony Anderson, Sean Patrick Thomas, Eve y Cedric the Entertainer. Sumamente elogiada por cinéfilos y críticos, Barbershop se estrenó el 13 de septiembre de 2002, y su éxito la llevó a romper récords en taquilla. Con una taquilla doméstica que rebasó los $75 millones de dólares, Barbershop se convirtió en el filme de tema afroamericano más rentable de todos los tiempos.

Inmediatamente después de Barbershop vino la secuela Barbershop 2: Back in Business (Barbería 2: La vuelta al negocio). Fue estrenada el 6 de febrero de 2004. El filme, dirigido por Kevin Rodney Sullivan, alcanzó el primer lugar en su fin de semana de estreno, e incluso fue más grande que el de su predecesora, al haber obtenido más de $24.2 millones de dólares. El éxito de los dos filmes provocó que se derivaran otros dos proyectos: Beauty Shop (Salón de belleza), protagonizada por Queen Latifah, Kevin Bacon, Alicia Silverstone y Djimon Hounsou, así como un programa de televisión basado en la película original, que fue realizado para Showtime.

Después del éxito de la franquicia de Barbershop, Tillman, junto con Teitel, siguieron con Roll Bounce en el 2005, para Fox Searchlight/Fox 2000. La comedia inspirada en la década de los ’70, presentaba un reparto multiestelar liderado por Bow Wow, Chi McBride, Khleo Thomas, Mike Epps, Meagan Good, Nick Cannon y Kellita Smith. Fue dirigida por Malcolm D. Lee.

En el 2007, Tillman regresó a la silla de director para realizar la película biográfica Notorious, para Fox Searchlight. Esta narración intensa de la vida del rapero asesinado Notorious Big probó ser el vehículo perfecto para el estilo de dirección y sutileza de Tillman. Protagonizada por el desconocido Jamal Woolard en el papel de Christopher “Notorious Big” Wallace, la película también fue estelarizada por Derek Luke como Sean “Puffy” Combs, la nominada al Oscar Angela Bassett como Voletta Wallace y Anthony Mackie como Tupac Shakur. Estrenada en enero de 2009, la película recabó más de $43 millones de dólares en la taquilla mundial.

Más recientemente, Tillman dirigió Faster (Venganza letal), protagonizada por Dwayne “The Rock” Johnson, Billy Bob Thornton, Carla Gugino, Maggie Grace y Tom Berenger. Tillman se enamoró de Inevitable Defeat of Mister and Pete, escrita por Michael Starrbury, y se pasó tres años intentando hacer el filme. Protagonizada por Jennifer Hudson, Skylan Brooks, Ethan Dizon, Jeffery Wright, Anthony Mackie, Adewalie Akinnuoye-Agbaje y Jordan Sparks, la película se estrenó ante críticas entusiastas el 11 de octubre de 2010. Fue distribuida por Lionsgate.

 

       CRAIG BOLOTIN (Guión) es un guionista y director. Escribió y dirigió los largometrajes Light it Up y That Night. Sus créditos como guionista incluyen Straight Talk, Black Rain (Lluvia negra) y No Small Affair (Amor en foco).

 

NICHOLAS SPARKS (Novelista, Productor) es uno de los narradores más queridos del mundo. Todos sus libros han sido best-sellers del New York Times, con más de 100 millones de copias vendidas en todo el mundo, en más de 50 idiomas, incluyendo más de 65 millones de copias tan sólo en los Estados Unidos.

Sparks escribió una de sus historias más conocidas, The Notebook, a lo largo de un periodo de seis meses, cuando tenía 28 años. En 1996 fue publicada por Warner Books. A ésta le siguieron las novelas Message in a Bottle (1998), A Walk to Remember (1999), The Rescue (2000), A Bend in the Road (2001), Nights in Rodanthe (2002), The Guardian (2003), The Wedding (2003), True Believer (2005) y su secuela, At First Sight (2005), Dear John (2006), The Choice (2007), The Lucky One (2008), The Last Song (2009), Safe Haven (2010) y The Best of Me (2011), así como las memorias de no ficción Three Weeks With My Brother, coescritas con su hermano Micah, en el 2004. Su decimoséptima novela, The Longest Ride, fue publicada en septiembre 17 de 2013.

Safe Haven (Un lugar secreto), la octava adaptación cinematográfica de Sparks y en la que fungió como productor, se estrenó el 14 de febrero de 2013, y obtuvo el honor de ser primer lugar en taquilla el día de San Valentín. La novena adaptación de una de sus novelas, The Best of Me, se estrenó este octubre pasado, y la décima, The Longest Ride (El camino más largo), se estrenará el 10 de abril de 2015. Junto con The Lucky One (Cuando te encuentre), Message in a Bottle (Mensaje de amor), A Walk to Remember (Un amor para recordar), The Notebook (Diario de una pasión), Nights in Rodanthe (Noches de tormenta), Dear John (Querido John) y The Last Song (La última canción), las adaptaciones de las novelas de Nicholas Sparks tienen un total acumulado en la taquilla mundial de más de tres cuartos de billón de dólares.

En el 2012, Sparks y su agente editorial y socia creativa Theresa Park, lanzaron Nicholas Sparks Productions (NSP), en la que Park es presidenta de producción. The Choice, la primera película independiente de NSP, se encuentra actualmente en postproducción. La película está basada en la novela homónima de Sparks, y es protagonizada por Benjamin Walker y Teresa Palmer, y dirigida por Ross Katz, con una adaptación cinematográfica de Bryan Sipe. Sparks y Theresa Park se asociaron con Peter Safran para producir y financiar la película, y Lionsgate la adquirió para distribuirla en Norteamérica, el Reino Unido y Latinoamérica.

NSP, que es tanto una compañía productora de cine como de televisión, tiene en la actualidad un contrato global con Warner Bros Television. Justo meses antes de haber fundado la compañía, Nicholas Sparks Productions armó cinco proyectos de televisión, a ser desarrollados en colaboración con cuatro cadenas distintas: TNT, ABC Family, MTV y Lifetime. La compañía anunció recientemente la adquisición de los derechos de la vida y memoria de Gale Sayers para hacer una película. Nicholas Sparks Productions, en asociación con Senator Films, esperan seguir adelante a corto plazo con un largometraje en idioma local para una audiencia de habla alemana.

Deliverance Creek, que representa el debut como productor de Sparks, se estrenó como un evento especial de dos horas el sábado 13 de septiembre de 2014, por Lifetime. Con un guión original escrito por Melissa Carter y dirigido por Jon Amiel, Deliverance es protagonizada por Lauren Ambrose. De Nicholas Sparks Productions y Warner Horizon, Melissa Carter, Nicholas Sparks, Theresa Park y Jon Amiel fungieron como productores ejecutivos.

Sparks vive en Carolina del Norte. Contribuye a una variedad de organizaciones benéficas locales y nacionales, y es uno de los principales contribuyentes del Creative Writing Program (MFA) de la Universidad de Notre Dame, donde ofrecen becas, internados y becas de investigación, todos los años. En el 2006, cofundó The Epiphany School en New Bern, Carolina del Norte. Como ex atleta con beca completa (todavía tiene un record en pista y campo de la Universidad de Notre Dame), también pasó cuatro años como entrenador de atletas de pista y campo en la preparatoria pública local. En el 2009, el equipo que entrenó en la Preparatoria New Bern impuso en Nueva York el record mundial junior bajo techo en la carrera 4 x 400 metros. La marca todavía prevalece.

La Nicholas Sparks Foundation, una organización sin fines de lucro comprometida al mejoramiento cultural y el entendimiento internacional a través de experiencias escolares mundiales para estudiantes de todas las edades, fue fundada en el 2011. Entre la fundación, y los obsequios personales de la familia Sparks, más de $15 millones de dólares se han distribuido a organizaciones de beneficencia, programas de becas y proyectos. Debido a que la familia de Sparks cubre todos los gastos operativos de la fundación, el 100% de donaciones son implementadas en los programas.

 

MARTY BOWEN / WYCK GODFREY (Productores) son socios en Temple Hill y se hicieron de un nombre produciendo filmes enfocados en géneros de temática femenina, tales como la tremendamente exitosa serie de Twilight (Crepúsculo), adaptada de los best-sellers de Stephanie Meyer. La franquicia de Summit Entertainment, que incluye las secuelas New Moon, Eclipse y Breaking Dawn, se ha convertido más en un fenómeno cultural que simplemente un exitazo taquillero, después de haber recabado más de $2 billones de dólares en la taquilla mundial y haber recibido un enorme y devoto culto de seguidores.

Temple Hill Entertainment, que fue fundada en el 2006 por el veterano productor Wyck Godfrey y su socio Marty Bowen, de la United Talent Agency, se ha establecido como una aclamada compañía productora conocida tanto por la diversidad de sus filmes como por su éxito comercial. A pesar de la escala épica de la serie de Twilight, Temple Hill continúa generando más historias íntimas para la pantalla grande.

El año pasado, Temple Hill produjo el taquillero romance The Fault in Our Stars (Bajo la misma estrella), basada en el best-seller de John Green.

Entre sus estrenos recientes se encuentran Safe Haven, basada en la novela best-seller de Nicholas Sparks. El filme, protagonizado por Julianne Hough y Josh Duhamel, fue dirigido por Lasse Hallström. Twilight: Breaking Dawn 2, la última película de la serie Twilight, fue estrenada por Summit Entertainment en noviembre de 2012; así como 10 Year, una comedia romántica protagonizada por Channing Tatum, Oscar Isaac y Chris Pine.

Otros filmes de Temple Hill incluyen Dear John, de Lasse Hallstrom, la adaptación cinematográfica de la popular novela de Nicholas Sparks, protagonizada por Channing Tatum y Amanda Seyfried; Everything Must Go (Un perdedor sin suerte), protagonizada por Will Ferrell, Laura Dern y Rebecca Hall, que se vendió a Lionsgate/Roadside Attractions en el Festival de Cine de Toronto, en el 2010; Management (Dura de ligar), una comedia romántica protagonizada por Jennifer Aniston y Steve Zahn, que se estrenó en el Festival de Cine de Toronto, en el 2008, y cuya corrida comercial dio inicio en mayo de 2009; y The Nativity Story, dirigida por Catherine Hardwicke en el 2006. La película, de presupuesto modesto, recabó más de $40 millones de dólares tan sólo en los Estados Unidos.

Temple Hill hizo su primera incursión en televisión con Revenge. El drama de ABC disfrutó de algunos de los ratings más elevados del año en su horario, y ya fue comisionada otra temporada.

Entre los filmes que pronto serán estrenados se encuentran Maze Runner: The Scorch Trials, para 20^th Century Fox, y Paper Towns.

 

THERESA PARK (Productora) es fundadora de The Park Literary Group, un destino para escritores aspirantes (y publicados), interesados en aprender más acerca de esta agencia, así como para editoriales extranjeras, scouts y entidades de cine/televisión en búsqueda de información acerca de sus clientes y libros.

 

MICHELE IMPERATO STABILE (Productora Ejecutiva) fue productora ejecutiva del exitazo taquillero The Fault in Our Stars, dirigida por Josh Boone, para Temple Hill y 20^th Century Fox. Imperato también fue productora del filme Hop (Hop, Rebelde sin causa), para Chris Meledandri e Illumination, y de Twilight, para Summit Entertainment.

Los otros créditos de Stabile incluyen Birdcage (La Jaula de los Pájaros), Primary Colors (El Escándalo), Wolf (Lobo), Postcards from the Edge (Recuerdos de Hollywood), Honeymoon in Vegas (Un Juego Indecente), GI Jane (Hasta el Límite), Alvin and the Chipmunks (Alvin y las Ardillas) y Garfield.

En 1988, Imperato se mudó a Los Ángeles de Nueva York, donde comenzó su carrera como asistente de producción. En 1991, se volvió miembro del DGA (Sindicato de Directores de los Estados Unidos) y ha trabajado como productora, productora ejecutiva, coproductora, productora asociada y gerente de unidad de producción. A lo largo de su carrera, Stabile ha trabajado con algunos de los principales directores de cine, incluyendo Mike Nichols, Elaine May, Ridley Scott, Brian De Palma y Harold Ramis.

Michele y su esposo Billy viven en una granja en Hidden Valley con seis caballos y seis perros. Ella es un ávido jinete y un día espera abrir un santuario para animales sin hogar.

 

ROBERT TEITEL (Productor Ejecutivo) es oriundo de Chicago, Illinois. En 1990 se graduó de la Facultad de Columbia, donde se tituló en Cine y Marketing. Durante su carrera colegial, fundó una compañía de producción de nombre Menagerie Films con el director George Tillman, Jr.

En 1994, recabó $150,000 dólares a través de cuarenta y cuatro personas distintas y produjo Scenes for the Soul, un largometraje que fue filmado en Chicago, y que empleó a talento y recursos locales. Con $600 dólares en su cuenta bancaria, Teitel se encaminó a Los Ángeles con nada más que una copia de Scenes for the Soul y sus últimas posesiones. Seis semanas después, la película fue vendida a Jackson-McHenry en Savoy Pictures a $1 millón de dólares.

Después de Scenes, Teitel produjo el muy bien recibido filme Soul Food, para 20^th Century Fox. Con un exiguo presupuesto de $7.5 millones de dólares, Soul Food asombró a la comunidad cinematográfica al superar toda expectativa, una vez que recabó $43 millones de dólares en taquilla, y dio pie a un programa de televisión que, después de 75 episodios, se convirtió en la serie afroamericana de una hora que más tiempo ha durado al aire en la historia.

Teitel firmó un contrato de producción con Fox 2000 para su compañía de producción, State Street Pictures. Los otros créditos de State Street incluyen el exitoso drama Men of Honor, que recabó $90 millones de dólares en la taquilla doméstica, y la comedia vanguardista Barbershop, que recabó más de $75 millones de dólares y se convirtió en un fenómeno cultural, al haber generado conversaciones a lo largo de todos los Estados Unidos acerca del tema racial durante muchos meses.

Después vino Barbershop 2, que se estrenó en primer lugar con una taquilla de $24 millones de dólares, para haber recabado finalmente $65 millones en taquilla. Poco después, le siguió una tercera parte, Beauty Shop, que recabó $35 millones de dólares en taquilla. Las tres películas combinadas la convirtieron en la franquicia urbana más exitosa en la historia del cine.

Después de estos éxitos, Teitel produjo Roll Bounce, una comedia de tema juvenil que se desarrolla en el mundo de las competencias de patines de la década de los ’70; así como Nothing Like the Holidays, una comedia de ensamble que sigue la vida de una familia latina en el parque Humboldt, Chicago.

En enero de 2009, Teitel junto con su socio director George Tillman, Jr., estrenó Notorious, la verdadera historia de Notorious B.I.G. Fox Searchlight Pictures distribuyó la película, que fue bien recibida por críticos, y recabó más de $40 millones de dólares en la taquilla mundial.

Después vino Faster, protagonizada por Dwayne Johnson y Billy Bob Thornton, que Teitel produjo para CBS Films y Sony International. Sus otros créditos incluyen la película independiente The Baytown Outlaws, protagonizada por Billy Bob Thornton y Eva Longoria, Jayne Mansfield's Car, con Robert Duvall, John Hurt y Kevin Bacon, y The Inevitable Defeat of Mister and Pete, protagonizada por Jennifer Hudson, Anthony Mackie y Jeffrey Wright, que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en el 2013.

 

TRACEY NYBERG (Productora Ejecutiva) es una ejecutiva y productora de cine.

 

DAVID TATTERSALL, BSC (Director de Fotografía) fue cinefotógrafo de los visualmente deslumbrantes exitazos taquilleros Star Wars: Episode 1 – the Phantom Menace (Star Wars: Episodio 1 – La amenaza fantasma), Star Wars: Episode II – Attack of the Clones (Star Wars: Episodio 2 – El ataque de los clones) y Star Wars Episode III – Revenge of the Sith (Star Wars: Episodio 3 – La venganza de los Sith), del director George Lucas.

También es un frecuente colaborador del director Frank Darabont, para quien fotografió el drama nominado al Oscar The Green Mile (Milagros inesperados), en 1999, el drama romántico The Majestic, en el 2001, así como la serie The Young Indiana Jones Chronicles, para ABC, por la que Tattersall recibió nominaciones al Premio Emmy y al Premio American Society of Cinematographers. Los dos hicieron mancuerna más recientemente para el programa piloto de la aclamada serie The Walking Dead, para AMC, y para Mob City, para TNT.

Tattersall es conocido por su versatilidad y pericia tanto en cine como en fotografía digital, que ha implementado en películas tales como Die Another Day (Otro día para morir) y XXX: State of the Union, ambas de Lee Tamahori; Con Air (Riesgo en el aire), de Simon West; Vertical Limit (Límite vertical), de Martin Campbell; Lara Croft: Tomb Raider: The Cradle of Life (Lara Croft: Tomb Raider – La cuna de la vida), de Jan De Bont; Speed Racer (Meteoro: La película), de los hermanos Wachowski; Journey 2: The Mysterious Island (Viaje 2: La isla misteriosa); The Day the Earth Stood Still (El día que la tierra se detuvo); Gulliver's Travels (Los viajes de Gulliver); Tooth Fairy (Hada por accidente); The Matador (Matador); The Hunting Party (La búsqueda) y Moll Flanders (Salvaje inocencia).

 

Tattersall se graduó de la Facultad de Goldsmith, Universidad de Londres, con un título en bellas artes. Después estudió en la Escuela Nacional de Cine y Televisión de Inglaterra, donde se especializó en cámara e iluminación. Sus películas estudiantiles fueron sumamente elogiadas, entre las que se encontraba King’s Christmas, nominada para un BAFTA a Mejor Cortometraje en 1987; y Metropolis Apocalypse, que fue exhibida en Cannes, en 1988.

Tattersall es miembro de la British Society of Cinematographers (Sociedad Británica de Directores de Fotografía).

 

       MARK GARNER (Diseñador de Producción) trabajó recientemente en The Choice, de Nicholas Sparks. Los diseños previos de Garner pueden ser vistos en los filmes To Write Love on Her Arms (Escribir amor en sus brazos), Mom's Night Out (Una noche para mamá), Burning Bright, Letters to God, The Final Destination (Destino final 4), Beethoven's Big Break y Sydney White.

         Garner fue director de arte en Dolphin Tale 2 (Winter, el delfín 2), Last Vegas (El último viaje a Las Vegas), Big Mommas: Like Father, Like Son (Mi abuela es un peligro 3), The Conspirator (El conspirador), Dear John y Dan in Real Life (Dan en la vida real).

Comenzó su carrera como diseñador de sets en My Girl (Mi primer beso), seguida de Lost in Yonkers (Prohibido amar), Just Cause (Causa justa), Fair Game (Atracción explosiva), Rosewood (Rosewood: La verdadera historia), Gone Fishin', Speed 2: Cruise Control (Máxima velocidad 2), Instinct (Instinto) y The Notebook, del escritor Nicholas Spark.

 

JASON BALLANTINE, ASE (Editor) fue ganador del Premio Film Critics Circle of Australia (FCCA) (Círculo de Críticos de Cine de Australia) por su trabajo en Wish You Were Here, por la que también recibió nominaciones del Australian Film Institute (AFI) para su Premio AACTA, y del Australian Screen Editors Guild (ASE) (Sindicato de Editores de Cine de Australia). Fue nominado previamente para un Premio AFI por su trabajo en Wolf Creek (El cazador), una película que también le valió una nominación del FCCA; y para el Premio ASE por los filmes Rogue y Caterpillar Wish.

En la actualidad, Ballantine se encuentra editando la sumamente esperada Mad Max: Fury Road, la cuarta en la serie, para el director George Miller. La dinámica película de acción y aventuras es protagonizada por Tom Hardy en el papel del título, al lado de Charlize Theron y Nicholas Hoult.

Como primer asistente de editor y editor de efectos visuales, Ballantine ha trabajado al lado de directores y editores notables en una carrera que abarca más de 20 años. Sus filmes incluyen Babe (Babe, El puerquito valiente), Babe: Pig in the City (Babe, El puerquito va a la ciudad) y Happy Feet (Happy Feet: El pingüino), todas de Miller; Moulin Rouge! (Amor en rojo), Australia y The Great Gatsby (El gran Gatsby), las dos de Baz Luhrmann; Mission: Impossible II (Misión Imposible 2), de John Woo; Dark City (Ciudad en tinieblas); Hearts in Atlantis (Nostalgia del pasado); The Quiet American (El americano); y Star Wars: Episode II – Attack of the Clones y Episode III – Revenge of the Sith, ambas de George Lucas.

 

H.H. COOPER (Coproductor) es un veterano asistente de director. Sus créditos incluyen los largometrajes A Most Violent Year, The Maze Runner (Maze Runner: Correr o Morir), The Fault in Our Stars, Limitless (Sin límite), Rachel Getting Married (El casamiento de Raquel), y muchas otras. Sus créditos en televisión incluyen la aclamada serie Mozart in the Jungle (de Amazon) y House of Cards (de Netflix).

 

MARY CLAIRE HANNAN (Diseñadora de Vestuario) es una consentida de los directores que hacen cine de autor, ya que cuenta con la habilidad de transformar la visión de los realizadores en guardarropas distinguidos, osados, modernos o dramáticos.

Los créditos recientes de Hannan incluyen Paper Towns, para el director Jake Schreirer; Sabotage (El sabotaje), del director David Ayer; y la adaptación cinematográfica del bestseller The Fault in our Stars, del autor John Green, protagonizada por Shailene Woodley.

Hannan se encargó del vestuario del elogiado drama End of Watch (Sin tregua – Último turno), de Ayer, protagonizada por Jake Gyllenhaal. Diseñó el largometraje nominado al Oscar The Kids Are All Right (Los niños están bien), de Lisa Cholodenko, protagonizado por Annette Bening, Julianne Moore y Mark Ruffalo. El vestuario de Hannan para la película fue exhibido en la exhibición anual Art of Motion Picture Costume Design (Arte del Diseño de Vestuario en el Cine), en el 2011.

En el 2007, el director Penn contrató a Hannan para diseñar el guardarropa de su filme Into the Wild (Camino salvaje), protagonizado por Emile Hirsch. La película obtuvo dos nominaciones al Premio de la Academia, junto con docenas de premios y reconocimientos. Además, Hannan recibió una nominación del Costume Designers Guild (Sindicato de Diseñadores de Vestuario) a la Excelencia en el Diseño de Vestuario para Cine – Contemporáneo.

Hannan comenzó su carrera como como supervisora de guardarropa en Reservoir Dogs (Perros de reserva), de Quentin Tarantino. Subió de puestos con Tarantino, como asistente de diseñadora en Pulp Fiction (Tiempos Violentos) y a la postre como jefe del departamento de vestuario en Jackie Brown (Jackie Brown, La Estafa).

 

MARK ISHAM (Música) es un compositor nominado al Oscar que ha colaborado con directores y artistas tales como Robert Redford, Tom Cruise, Brian De Palma, Chick Corea, Jodie Foster, Robert Altman, Sting, Will.i.am, Sidney Lumet y Mick Jagger.

Isham comenzó a componer música para cine en Never Cry Wolf (Los lobos no lloran), y desde entonces ha escrito la banda sonora para filmes tales como Of Mice and Men (De hombres y ratoncitos: Fuerza brutal); Nell (Una mujer llamada Nell), por la que recibió una nominación al Globo de Oro; Fly Away Home (Volando a casa); October Sky (Cielo de octubre); Men of Honor; Life as a House (Construyendo la vida); Miracle; Invincible (Invencible); The Bad Lieutenant: Port of Call – New Orleans (Enemigo interno), de Werner Herzog; Reservation Road(Camino a la redención); Bobby (El día que mataron a Kennedy); y 42.

Sus colaboraciones con Robert Redford han dado como resultado las bandas sonoras para A River Runs Through It (Nada es para siempre), por la que recibió una nominación al Oscar; Quiz Show (El dilema); Lions for Lambs (Leones por corderos); y, más recientemente, The Conspirator.

Compuso la música de la película ganadora del Oscar Crash (Alto impacto) y de la condecorada miniserie From the Earth to the Moon, así como la música de la exitosa serie Once Upon a Time, para ABC.

A una temprana edad, el oriundo de Nueva York mostró un don para tocar la trompeta, que lo llevó a grabar con Herbie Hancock y Bobby McFerrin. Desde entonces, ha lanzado nueve álbumes como solista, y ha tocado con músicos tales como Bruce Springsteen, Willie Nelson y Kenny Loggins. Isham ha compuesto la banda sonora para más de 125 filmes, tanto como un innovador en electrónica como un melodista orquestal exuberante. Recientemente, la ASCAP le otorgó el Premio Henry Mancini por su Trayectoria Artística.